一旦我进入绘画，我意识不到我在画什么。只有在完成以后，我才明白我做了什么。

——杰克逊·波洛克

”你这张画表达了什么？“想必这是令很多艺术家懊恼的问题，但是对于普通人来说，看不懂的艺术品那么多，问一嘴想表达什么，难道不是很正常吗？

确实，古典写实的作品，即使是小白也能看出个大概。可到了现当代艺术，“难懂”的作品比比皆是，外行人一不留神就会闹笑话。

著名艺术家赵无极就曾经遭遇过这样的尴尬。上世纪70年代末，受建筑设计大师贝聿铭邀请，赵无极回国为香山饭店无偿创作两幅作品。谁知送去托裱时，两张画被直接扔在满是灰尘的地上。

贝聿铭向负责官员询问答复竟是：“我们这里画得好的画家有的是，只要把他们找来吃顿饭，哪一个画的也不比他差…“甚至在饭店开幕当天，一位军人退役的饭店经理对贝聿铭说，“赵无极这样的画，我也能画...”

我想这位官员和饭店经理一定不知道赵无极的作品有多值钱。

法国画家杜尚的作品《瓶架》当时在意大利南蒂罗尔博尔扎诺艺术馆展出，在开幕仪式后的第二天，清洁工清理会场时，把展品当做用完的一次性酒架给丢掉了。

类似尴尬事件在艺术史上发生不止一次，所以艺术家们一定要特别注意，美术馆的清洁工不要轻易得罪，他们个个都是艺术界的灭霸。

那么很多人会想：欣赏一件作品时要是不问一句表达了什么，出糗了怎么办？

然而让你吃惊的是，艺术家对“你想表达什么”这个问题，通常是闻风丧胆的。听到这个问题，他们轻则一时语塞，重则头晕目眩，落荒而逃。

艺术本身就是一种被误解的艺术，就像很多电影被引申出来很多种涵义，其实导演在拍摄的时候根本没想这么多。就如《让子弹飞》—希区柯克的制片人在接受记者采访时，记者狠狠的解读了一下里面那辆汽车的车牌号的引申的涵义，然后制片人很无奈的告诉他，他用那么车牌的缘故是因为那是他以前用过的一个车牌，这样在法律上就不会有什么麻烦。

显然，只有一开始用意就很明确的东西才容易向人解释说明。艺术创作必然不是中学生写作文，如果凭空设定一个题目，再硬着头皮论证它，作品一定不忍直视。

艺术家创作的起点一定是内心的某种真情实感，不是“为赋新词强说愁”。然而为了寻找创作灵感，艺术家也是一个探索者。之所以选择绘画、雕塑、装置等形式，就是因为他们不善于运用手术刀般的语言，讲述自己的感受和理解，艺术本来就是他们借用语言文字之外的形式来说话。

在大众认知中，艺术家确实也算是”另类“，玛丽娜·阿布拉莫维奇用身体制造陷境，梵高一言不合就割自己耳朵，在很多人看来就是典型的“艺术家性情”。

不仅仅是艺术家，就连古代的诗人都会遭遇语言痛苦，只能通过画面表达出来。比如千古第一才女李清照的名句：“只恐双溪舴艋舟，载不动许多愁。”或者南唐后主李煜的名句：“问君能有几多愁，恰似一江春水向东流。”你要非让他们解释一下，这两句到底表达了怎样的“愁”，他们可真的愁死了。

当你试图让艺术家给你一个“标准答案”的时候，你事实上是在强迫他亲手伤害自己的作品。

好的艺术品肯定会具备“开放性”。所谓的”开放性“，就是虽然它体现的是艺术家的心境，但它不会试图规定观众的理解和感受，不会设置一个“标准答案”。

举一个大家最熟悉的例子，《蒙娜丽莎》。达芬奇只是把他看到的”美“用绘画的方式记录下来，至于你怎么解读，因人而异。有人看着她觉得和蔼可亲，有人觉得多愁善感，这其实就是我想表达的开放性。

甚至后来有很多艺术家把这幅经典名画篡改成各种版本。

那什么是拒绝开放性，带有强烈目的性的作品呢？比如这样的画：

这也就是我们眼中所谓的“行画”。色彩鲜艳亮丽，迎合市场的喜好，目的是骗你的钱，估计很多人家中都有类似的画。

具备”开放性“的艺术，它才能打破时间与空间的局限，让不同地域、不同时代的人，都能充分调动自己的人生经验欣赏它、理解它，使之变为永恒的存在。否则，它满足的永远只能是某一特定时刻的某个特定群体，其价值必定转瞬即逝。

所以说当你问一位艺术家在作品中“表达了什么感情”时，你无非是在要求他给自己的作品一个最”权威“的解释，更严重的说，就是你在强迫艺术家拒绝”开放性“。

艺术是路标，但绝不是目的地。如果你很想知道艺术家本人的想法该怎么办呢？

首先，你要给艺术家留出充足的时间，让他仔细去回味、思考，还要做好得不到满意答复的心理准备。第二，不管艺术家说了什么，这都只是他个人的一种理解，可以参考，但并不代表其他理解就是错的。

或者不妨索性放自己一马，如毕加索的这段话所言。

每个人都想了解艺术。但是为什么不去了解鸟叫呢？为什么人不必了解就会爱夜晚、花朵，爱他四周的一切呢？而如果是一张画，人就非得‘了解’不可？

“不强求”就是对艺术最好的态度。不强求答案，不强求喜欢，也不强求和众人保持一致。然后某一天，与最对的那件艺术品不期而遇，它什么也不用说，就能打动你。

这似乎就是艺术原本的样子。